Biografie degli artisti, argomento tremendamente affascinante che a volte mi porta a investire discrete sommette in libri patinati o curati da vere eminenze della critica d’arte; ci sono tanti modi però di scoprire gli aneddoti delle avventurose eperienze di questi personaggi e oggi ne ho scoperto uno nuovo.
Secret Lives of Great Artists piacerà molto agli estimatori dello stile editoriale di matrice gossip/scandalistica ed è curato graficamente come un fumetto pulp degli anni ‘50; il contenuto promette di essere succulento, anche se poi nelle recensioni i lettori si aspettavano qualcosa di più.
E’ un libello in inglese di 288 pagine che costa circa 10 Euro, perfetto per conoscere l’aspetto “umano” dei maestri più famosi; ci sono i dettagli zodiacali, le indicazioni sugli sponsor/mecenati che hanno sostenuto la creazione delle opere e altre amenità sul carattere di Sandro Botticelli, Leonardo Da Vinci, Rembrandt, Paul Monet, Paul Cézanne, Pablo Picasso, Edward Hopper, Frida Kahlo e molti altri, tutti con qualche difettuccio o particolarità abbastanza inconsueta.
Un paio di anni fa è uscito un volume preziosissimo che, purtroppo, non ha avuto la diffusione che merita. “Graphic Design dal 1950 a oggi” (Electa, 704 pagine, 85 euro) è un libri di grosso formato che riunisce i lavori dell’Alliance Graphique Internationale (Agi), una società di artisti nata nel 1951.
Proprio in quegli anni la grafica assunse il valore di arte (in Italia, nonostante i suoi grandi grafici, tutto questo avvenne dieci anni dopo), e da allora ha condizionato interamente la nostra vita: c’è grafica in tutto, su una banconota o su una rivista.
Il libro raccoglie circa 2000 lavori di graphic-designer legati all’Agi, che non è la più grande agenzia del mondo, ma annovera (o ha annoverato) tra le sue file Bruno Munari, Enzo Mari, Milton Glaser, Bob Noorda, Pierluigi Cerri, Italo Lupi… insomma, alcune grande personalità.
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“Il design spiegato a mia madre” di Fabio Novembre “è un manuale senza intento storico, né critico”, e questo è il primo dato che delude chi, come me, si aspettava una trattazione pop con qualche riferimento storico e tanti begli esempi . “Racconto la mia esperienza”, dice l’autore, e non gli si può dare torto, anche se, così facendo, ne viene fuori un libro diverso da quel che ci si aspettava.
E per fortuna Fabio Novembre è un designer simpatico, per cui il libro risulta, in fin dei conti, piacevole. Ma cos’è “Il design spiegato a mia madre” (Rizzoli, 160 pagine, 15 euro)? E’ un libro intervista, nel quale l’autore dialoga con Francesca Alfano Miglietti, teorica dell’arte, addentrandosi nel mondo del suo design.
Un design estremamente pop e divertente: avete presente quella sedia le cui linee riprendono quelle di un corpo femminile? Da dietro sembra di vedere una persona nuda con una testa vera (quella di chi è seduto). Credo che questo suo lavoro lo rappresenti molto (come anche il tavolo che ha progettato, che ha più di cento piedi).
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Vi siete mai chiesti come vengono trasportate le opere d’arte? Anche se, sulle prime, non viene spontaneo pensarci, esiste una galassia di professionisti dietro allo spostamento di un quadro o di una statua. La questione è, ovviamente, molto delicata, tanto che le difficoltà che si possono incontrare in queste situazioni possono impedire a un’opera d’arte di essere trasferita per una mostra.
Poco prima di Natale è uscito un bel libro di Marco Carminati, giornalista curatore della sezione arte del domenicale del Sole24 ore, proprio su questo argomento. Il pregio del “David in carrozza” (Longanesi, pagine 296, 18,60 euro) è di non essere pedante o specialistico, tutt’altro: Carminati ci conduce tra le pagine della storia regalandoci sì un saggio, ma soprattutto una sorta di romanzo d’avventura.
Sì, perché Marco Carminati sa narrare ciò che in altri testi verrebbe spiegato pedantemente, introducendoci in vere e proprio epopee. Ma lo sapevate che la Madonna del Rosario di Dürer venne trasportata da Venezia a Praga… a piedi?! O che la Gioconda, negli Stati Uniti, viaggiava sulle ambulanze per non dare nell’occhio?
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Marc Johns non ha l’aria di prendersi sul serio, se si guarda al titolo del suo libro; ma sarà anche perché “H is for holy crap” (TeNeues, 143 pagine, euro 19,90) ci rimanda a una figura eclettica: quella dell’umorista, dell’osservatore della società e, non per ultima (anzi) quella dell’artista. Diverse figure che si intrecciano e che all’inizio possono disorientare chi osserva i suoi quadri.
Marc Johns compone brevi e fulminanti quadretti ad acquerello che vivono di molteplici nature: sono delle opere che spingono innanzitutto al sorriso, stuzzicano il piacere estetico, e in ultima analisi ci fanno riflettere. Gli ingredienti del suo modo di disegnare si alternano e si fondono nelle sue opere. In alcuni bozzetti prevale il senso dell’umorismo, in altri alla risata si accompagna una riflessione, ed è per questo che mi piaceil suo stile.
Dietro all’apparente leggerezza del messaggio si nasconde sempre qualcos’altro, e vi assicuro che guardare una ventina delle sue opere di fila è un vero piacere. Come definire Marc Johns? E’ difficile dare una definizione, e forse anche lui ha smesso di provarci. Ma se volete farvi un’idea più precisa delle sue opere, fate un salto qui. Pare che con il sito stia raggiungendo una notorietà per molti versi inaspettata. Ma si vedrà mai una sua mostra in Italia?
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Se questa settimana dedico la rubrica sui libri d’arte a un albo illustrato, è perché il libro in questione, “Hänsel e Gretel” di Lorenzo Mattotti, ha appena vinto il premio Andersen (il più grande premio di letteratura per ragazzi, qui il sito) nella sua categoria, e perché spesso l’illustrazione, anche se d’artista, occupa un posto di secondo piano nelle preferenze di chi, all’arte, è appassionato. Mi piace dunque parlarvi, pur brevemente, di questo libro.
Lorenzo Mattotti è un esperto disegnatore di fumetti e illustratore, attivo sulla scena dell’arte almeno dai primi anni ‘80. Ha esposto a Parigi, a New York, ha collaborato a moltissimi libri e a grandi progetti (suo, ad esempio, il manifesto del festival di Cannes del 2000). Attualmente vive a lavora a Parigi.
Il suo stile è inconfondibile, e Hänsel e Gretel (Orecchio Acerbo, pagine 48, 20 euro) lo conferma: pennellate di china a ricostituire la paurosa trama dei due fratellini abbandonati nel bosco, una delle storie che, insieme al “Richiamo della foresta”, ha più terrorizzato la mia infanzia.
Libri d’arte: Hansel e Gretel di Lorenzo Mattotti
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Se il lettore deciderà di acquistare “La vita istruzioni per l’uso“, si troverà davanti a un romanzo, a un libro e a un’opera d’arte, realizzata da uno dei più famosi architetti e designer italiani, Enzo Mari. La Bur, per festeggiare i suoi 60 anni, ha deciso di creare una serie di libri a tiratura limitata coinvolgendo, oltre a Mari, Luigi Serafini, Peter Saville e Maurizio Cattelan.
Enzo Mari ha deciso, appunto, di lavorare con “La vita istruzione per l’uso”, un romanzo scritto da Georges Perec nel 1978 e uno dei capolavori dell’iperromanzo. Per capire a fondo lo studio di Mari, è necessario conoscere almeno in parte la trama del libro. Il romanzo è formato da diverse storie; il protagonista di quella principale è un miliardario di nome Bartlebooth, il quale si lancia in un folle, quanto geniale, progetto.
Bartlebooth vuole dipingere 500 acquerelli in 500 porti diversi, inviarli a un artigiano che li possa trasformare in altrettanti puzzle, e nei successivi 20 anni ricomporre tutti i puzzle; il suo progetto prevede inoltre che i quadri, ricreati con una speciale soluzione, vengano rispediti nel porto di partenza dove verranno dissolti…
In sostanza, Enzo Mari si è sostituito al protagonista del libro, e ha creato 18 volumetti-tessera con altrettanti capitoli del libro, a ricomporre quella geometria tanto cara allo scrittore francese. La scatola (di grosse dimensioni: 50×70) contiene anche il romanzo di Perec è un libriccino, “Il puzzle istruzioni per l’uso”, in cui Mari racconta il suo rapporto col libro di Perec. Un’edizione pregiata in 600 esemplari; costo: 300 euro.
Questa settimana non vi voglio presentare un singolo libro, ma l’intera produzione di Katsumi Komagata, un artista che molti definiscono “il nuovo Munari”. Lo so, questo genere di denominazioni possono sembrare giornalistiche o pubblicitarie, ma non è il caso di Komagata, per cui, per affinità e delicatezza dello stile, può essere senza troppe remore apparentato (anche se alla lontana!) al grande Munari.
Nato in Giappone nel 1953, Komagata realizza libri per l’infanzia utilizzando tecniche e materiali diversi e, soprattutto, un’inventiva dal sapore magnificamente orientale. Non a caso i suoi libri, molto delicati e raffinati, vengono pubblicati in Europa dalla casa editrice “Les Trois Ourses”, specializzata in liri d’arte per l’infanzia.
Komagata gioca con il lettore, ed è questo l’aspetto che più sorprende nei suoi libri; gli fa percorrere un libro osservando in un buco che percorre tutte le pagine, dando una nuova dimensione alla lettura e integrando questi espedienti nella storia narrata.
Libri che più che mai sanno oltrepassare il confine tra libro per l’infanzia e libro per adulti (e anche questo non è uno strillo promozionale!): le storie e i “giochi” prodotti con la carta conquistano il lettore più piccolo, mentre l’adulto non può rimanere indifferente di fronte a tanta abilità a cura artistica nella creazione del libro.
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Edito da Johan & Levi, esce in questi giorni il volume “Marcel Duchamp. La vita a credito“. Artista chiave del ‘900 definito da André Breton «l’uomo più intelligente del xx secolo», Duchamp è capace di influenzare ancora l’arte contemporanea.
La biografia dell’artista, con la prefazione di Achille Bonito Oliva, è stata curata da Bernard Marcadé. Ma in generale si può affermere una cosa su questo genere di libri: entrare nella vita di un autore che amiamo attraverso la sua biografia rappresenta un accesso privileggiato, specie quando ne conosciamo le opere, lo stile e la poetica.
Per chi fosse interessato, martedì 20 ottobre alle 18.30 presso Libreria Electa Koenig di Milano, Chiara Gatti ed Elio Grazioli presenteranno il volume (prezzo di copertina 32 euro, pp 608).
“Né libro né quadro. Qualcosa quasi come un libro, come un quadro, come una scultura…” (Jiřì Kolář). Inaugura sabato primo agosto alle ore 21.30 presso Sakros arte contemporanea di Carrara 21X36 - Ventuno artisti per trentasei libri. Una mostra di libri d’artista e libri oggetto, una singolare modalità creativa libera e multiforme che partendo dall’idea del libro esplora le possibilità di confronto tra contenuto e contenitore.
L’evento, in collaborazione con la Galleria il Gabbiano di La Spezia presenta opere originali ed in alcuni casi appositamente preparate di Fernando Andolcetti, Nanni Balestrini + Mimmo Paladino, Mirella Bentivoglio, Alighiero Boetti, Sergio Borrini, Emma Caprini, César, Cosimo Cimino, Mario Commone, Delio Gennai, Paolo Icaro, Maria Lai, Cesare Nardi, Nadia Nava, Mauro Manfredi, Giuseppe Pellegrino, Takako Saito, Caterina Sbrana, Franca Sonnino, Emilio Villa
La mostra, dopo la prima tappa a Carrara, arriverà nel nuovo spazio della galleria Il Gabbiano a La Spezia e al Museo Nuova Era di Bari.
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