È ripartito il calendario di Open Studios, la serie di visite agli studi d’artista nelle province di Prato, Pistoia e Firenze. Un mediatore accompagna un massimo di 12 visitatori nei luoghi di progettazione e di lavoro degli artisti.

Un panorama di esperienze variegato che ha coinvolto tredici artisti, chiamandoli ad un racconto a partire dal luogo in cui operano, che contiene segni delle tecniche e dei materiali che utilizzano. Spesso per un atista lo studio diventa una seconda casa, soprattutto al giorno d’oggi in cui i ritmi di lavoro e i flussi della creatività viaggiano su binari sempre più accellerati.

I prossimi appuntamenti, tutti alle ore 17, sono giovedì 18 marzo a Calenzano, con la visita allo studio di Lia Pantani e Giovanni Surace, alchimisti che rivolgono la loro ricerca nelle dinamiche dei processi. Giovedì 25 Open Studios è a Prato, da Franco Menicagli (nella foto), sculture che negli ultimi anni si è rivolto alla deconfigurazione spaziale di materiale di recupero. Lunedì 29 ancora a Prato dal pittore Lorenzo Banci ed infine mercoledì 31 appuntamento a Palazzo Strozzi di Firenze con Massimo Barzagli.

Per prenotare le visite è necessario rivolgersi ad Alessandra Tempesti – Martino Margheri. Tel 055 2776461 – 348 8137701 (a.tempesti[@]palazzostrozzi.org). Per gruppi composti da molte persone c’è la possibilità di effettuare le visite su richiesta.

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Inaugura il prossimo venerdì 19 marzo presso la Galleria Luigi Proietti di Roma una grande retrospettiva su Paola Epifani, in arte Rabarama, artista nata a Roma nel 1969. Un centinaio le opere in mostra, tra scultura e pittura, in un allestimento che tenta di avviare una riflessione sulla sua complessa e sfaccetata produzione.

Trasferitasi a Padova, Rabarama ha subito proiettato la propria ricerca su scala internazionale, dal Messico agli Stati Uniti, dalla Francia alla Cina. Pur avendo cominciato seguendo un impulso non figurativo, che l’ha avvicinata, in certi esiti, all’opera del grande Lorenzo Viani, Rabarama ha pian piano siluppato una propria poetica simbolico-realista.

Col passare del tempo, l’armonia plastica è divenuta centrale nelle sue composizioni scultoree, in cui prendono sostanza esseri di forma umanoide, creature nel bozzolo o semplicemente semi di uomini che saranno.

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Se ne sono andate ieri mattina dal Gran Teatro all’aperto di Torre del Lago, le due statue di Igor Mitoraj, Icaro e Icaria. Sculture alte tre metri e sessanta, in bronzo, realizzate dall’artista polacco per il Festival dedicato a Puccini, che ogni estate va in scena sulle sponde del Lago di Massaciuccoli, nel comune di Viareggio.

Dietro alla vicenda, una questione politico-economica. Il vecchio presidente del festival, Manrico Nicolai (in quota Pd), si era accordato con Mitoraj, che aveva offerto uno sconto del 70% sull’abituale prezzo da lui praticato. Per 130.000 l’artista aveva dunque venduto le opere alla Fondazione Puccini (una partecipata comunale), ma il vero valore delle due statue sarebbe stato di 500.000 euro.

Ma il cambio di vento nell’amministrazione di Viareggio, ha portato all’elezione del nuovo presidente, Massimiliano Simoni (quota Pdl), che per prima cosa ha spostato i due Icari nella parte posteriore del teatro, in mezzo ai cespugli e poi si è rifiutato di pagare le statue. Certo 130.000 non sono pochi, soprattutto coni tempi che corrono e l’andamento economico degli enti pubblici. Ma se consideriamo che Mitoraj collabora con il Festival Puccini da anni de ha realizzato le scenografie di Manon Lescaut e Tosca, che si sono succedute in 280 allestimenti in tutto il mondo, allora forse potremmo riconsiderare l’intera storia sotto un’altra luce. L’artista è amareggiato, nonostante gli sconti (?) è stato costretto a ritirare i suoi lavori. Ma non lascerà la Versilia, terra che ama e che ha eletto a sua ‘dimora creativa’.

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Per celebrare il suo secondo anniversario, Rojo artspace di Milano presenta una collettiva che mette insieme più di 50 artisti che hanno collaborato con la galleria. Mirabilia, dall’11 marzo all’11 aprile 2010, propone una visione trasversale della creatività contemporanea a livello internazionale. Il titolo prende spunto dai Mirabilia Urbis Romae, gli antenati delle moderne guide di viaggio, che accompagnavano i pellegrini nell’esplorazione della città eterna.

Rojo Artspace – Global Network Alliance è un progetto che raccoglie 7 Gallerie consociate sparse per il mondo, tra Bruxelles, Helsinki, Parigi, New York, Barcellona, Berlino e Milano. Una rete di spazi e di professionalità che collaborano per curare il lavoro degli artisti, producendo mostre e diverse iniziative editoriali, come riviste e cataloghi d’artista.

L’inaugurazione a Milano in Via Tortona (civ. 17 -19) è prevista per giovedì 11 marzo alle 19 con opening sound-art a cura di SAE Live Class. Ci saranno lavori di pittura, grafica, illustrazione, fotografia, scultura, video, installazione e poesia visiva. Dopo il ’salto’ su continua, la lista completa degli artisti.

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Col tempo le montagne prospicenti Carrara sono decisamente diminuite nel volume, ma non nella bellezza. Dall’epoca romana artisti, scultori, architetti sono venuti qui a reperirei blocchi di marmo più pregiati. Poi Donatello, Michelangelo, Giambologna, Bernini e Canova e molti altri.

Presentata in questi giorni, la XIV Biennale Internazionale di Scultura di Carrara si svolgerà nella città toscana dal 26 giugno al 31 ottobre. Quest’anno la mostra nata nel 1957 è a cura di Fabio Cavallucci, ex direttore della Galleria Civica di Trento, coordinatore di Manifesta e promotore di importanti progetti nazionali ed internazionali. La sua personalità può dare un respiro di ampio raggio a questa Biennale.

Il programma quest’anno comprende una selezione storica - Leonardo Bistolfi, Arturo Martini e Fausto Melotti - che aprirà la strada ad opere contemporanee. Autori come Antony Gormley, Cai Guo-Qiang, Damian Ortega, Daniel Knorr e molti altri, chiamati per lo più a proporre opere site-specific a Carrara.

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La Fiera dell’Arte Russa Asiatica e Orientale è il primo grande evento nel suo genere. Si passa dalle icone bizantine alle antiche illustrazioni giapponesi, dai maestri del realismo russo all’arte contemporanea indiana. Un appuntamento giunto alla sua seconda edizione che riunisce a Londra dealer e collezionisti provenienti da tutto il mondo, specializzati nelle produzioni orientali dell’ultimo millennio.

La fiera attira numerosi collezionisti russi, arabi, indiani, cinesi e giapponesi ma segue anche i più recenti trend collezionistici nel Regno Unito: l’entusiasmo per l’arte di ex-Persia, India, Cina, Giappone, Corea e Vietnam ne sono un esempio. Un appuntamento che tiene insieme passato e presente con grande stile, unendo le arti visive all’artigianato artistico.

La Fiera 2010 si terrà nello spettacolare complesso con la sala da ballo in stile Art Deco del Park Lane Hotel, nel cuore della Mayfair di Londra, dal 9 al 12 giugno 2010. Una sezione speciale dell’evento è dedicata agli artisti emergenti mentre si preannuncia interessante il catalogo della Fiera per il suo approccio storiografico sull’arte russa nei confronti del pubblico occidentale.

Fiera dell’Arte Russa Asiatica e Orientale

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Sono apparse fuori dal Palazzo del Congresso della Colombia, a Bogotà, centinaia di formiche giganti. Per la precisione sono 1.300, piazzate dall’artista Rafael Gomezbarros sulle colonne e le pareti esterne di questo edificio classicheggiante.

Le formiche, realizzate in vetroresina colorata di nero e marrone, sono lunghe 95 centimetri e vogliono rappresentare i movimenti di migrazione umana. Non un lavoro squisitamente politico, ma che da un lato affronta a livello sociale il fenomeno degli spostamenti e dall’altro cerca di porre attenzione sul valore dei monumenti.

Le formiche infatti, dopo aver ‘rosicchiato’ il Palazzo dei Congressi fino al 26 marzo, si sposteranno sul monumento degli eroi (Los Heroes) sempre a Bogotà e nei prossimi mesi raggiungeranno Argentina, Messico, Chile, Stati Uniti, Canada, Spagna e Germania. Il sogno dell’artista 37enne è di invadere con i suoi insetti la Puerta de Alcala a Madrid. Come potete vedere nella galleria qui sotto, le formiche hanno comunque già girato molto: gallerie, installazioni e facciate di edifici pubblici.

Le formiche di Rafael Gomezbarros

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L’artista canadese Luanne Martineau si è fatta conoscere per aver creato un’interessante tecnica di assemblaggio di sculture in feltro e lana. Esseri umanoidi, con tratti animali e vegetali presenti insieme, producono nell’osservatore un’esperienza che oscilla tra il fascino e la repulsione.

A livello tecnico si combinano le esperienze dell’artigianato e le eredità dell’arte degli anni 1960, che ripensa i materiali. Così a livello estetico la Martineau rende labili i confini tra lo stile e l’ideologia, tra la presupposta ‘altezza’ dell’arte contemporanea e la bassezza del corpo.

Ci sono riferimenti all’Espressionismo Astratto, al Postminimalismo, al femminismo e alla cultura popolare e fattori estetici, sociali e psicologici vengono trattati con un leggero tocco umoristico.

Luanne Martineau

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Le sculture di Ron Mueck si concentrano sulla forma umana, ritratta nei momenti più intimi, isolati e vulnerabili. Un approccio iperrealista che non manca di descrivere i sentimenti più reconditi della psiche umana.

Il suo lavoro viene a tratti criticato e a tratti esaltato, sicuramente fa sempre parlare perché non si può restare indifferenti. Un piede gigante o un neonato piangente riprodotto dieci volte la sua grandezza naturale, ci portano di fronte sì sculture, ma anche persone in carne ed ossa e sentimenti veri, seppur raccolti in una smorfia di dolore, di paura.

Nato in Australia, Ron Mueck lavora a Londra. Ha iniziato la sua carriera come modellista e burattinaio per la televisione dei bambini, fino a diventare uno degli artisti più richiesti nel panorama contemporaneo.

Sculture di Ron Mueck

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Scultore catalano classe 1955 Jaume Plensa comincia utilizzando materiali pesanti, come bronzo e ferro. Col tempo sperimenta nuova materie plastiche di sintesi che gli consentono di giocare con nuovi volumi e prospettive di luci. Molte delle sue più famose creazioni rappresentano una figura umana seduta, con le ginocchia raccolte attorno al busto. L’unità minima compositiva sono segni alfanumerici, disposti casualmente, secondo varie dimensioni.

Le sue opere, che sono state piazzate nei più svariati contesti pubblici in tutto il mondo sono attraversate dalla luce del sole o magari illuminate artificialmente. Innescano sempre un dialogo con lo spazio circostante, perché anche l’arte di plasmare le forme e di renderne i volumi è contingente. Plensa collabora con il gruppo di ricerca La Fura Dels Baus.

Jaume Plensa

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